『ソドムの市』ネタバレ解説！結末と作品が描く権力の恐怖

こんにちは、コミックコミュニティ運営者のこまさんです。今回は、映画史に残る問題作を取り上げます。

映画『ソドムの市』は、映画史の中でも特に物議を醸してきた1本です。過激な場面ばかりが話題になりますが、この映画の本当の怖さは、権力を持つ者が、人を人として扱うことをやめていく過程にあります。

この記事では結末をぼかさずに整理します。4人の権力者が何を計画し、屋敷の中で支配がどう強まっていき、最後に何が残るのかを順番に追っていきます。あわせて、作中の過激な行為そのものは具体的に描写せず、物語の構造と意味に絞って解説します。初めて作品名を聞いた人でも、なぜこの映画が半世紀にわたって論じられ続けるのかが分かる順番で書いていきます。

• 4人の権力者の正体と、最初に交わされる取り決めの意味
• ダンテの地獄にならった4部構成と、支配が強まる仕組み
• 被害者同士の告発が連鎖する場面が示すもの
• 双眼鏡で眺める結末と、踊る2人で終わるラストの意味
• 舞台がサロ共和国に置き換えられた理由と、監督の遺作としての経緯
• 120日、18人、4つの巻という数字から読む、物語の構造と段階の意味

結論まとめ：救済はなく、残るのは眺める者と踊る者だけ

最初に結末をまとめます。第二次世界大戦末期のイタリアで、公爵、大統領、大司教、最高判事の4人の権力者が、少年少女18人を屋敷に閉じ込め、自分たちの定めた規則だけで若者たちを支配します。

支配は段階を追って強まります。年配の語り部の物語が行為の型になり、規則を破った者の名前が記録され、やがて被害者同士が互いを告発し合うようになります。最後の段階では、記録された若者たちが庭で処刑され、権力者たちは屋敷の窓から双眼鏡でその光景を眺めます。

この映画に、英雄の救済はありません。結末で残るのは、双眼鏡で眺める権力者と、何事もなかったように踊る若い兵士2人です。パゾリーニ監督が描いたのは、暴力そのものよりも、暴力を眺めて平気でいられる無関心の姿でした。

基本情報：パゾリーニの遺作となった問題作

『ソドムの市』（原題は「サロ、或いはソドムの120日」）は、1975年製作のイタリア・フランス合作映画です。1975年11月22日にパリ映画祭で上映され、日本では1976年9月25日に公開されました。監督はピエル・パオロ・パゾリーニです。

原作は、マルキ・ド・サドの小説『ソドム百二十日あるいは淫蕩学校』です。18世紀に書かれたこの小説の舞台を、パゾリーニは20世紀のイタリアへ移し替えました。過激な内容のため、公開当時は多くの国で上映禁止や制限を受け、日本でも上映館が限られるなど、公開前から大きな話題になりました。

同じく結末の重さで語られる映画でも、『ファニーゲーム』が観客の期待を裏切る演出で問いを投げたのに対し、本作は権力の側の視点を最後まで崩さず、観る者を「眺める側」に置き続ける作りになっています。

登場人物：4人の権力者と、閉じ込められた若者たち

公爵・大統領・大司教・最高判事：制度そのものの顔

支配する側は、名前ではなく役職で呼ばれる4人です。公爵、大統領、大司教、最高判事という顔ぶれは、富と政治と宗教と司法という、社会の権力がそろった形になっています。個人の悪意ではなく、制度そのものが人を支配する姿として描かれているのが、この映画の大きな特徴です。

4人は感情的に暴走するのではありません。取り決めに署名し、規則を作り、記録を取り、手順に沿って進めます。その事務的な冷静さが、かえって場面の冷たさを強めています。

少年少女18人と、語り部の女性たち

連れてこられるのは、各地で集められた少年少女18人です。一部の少年は警備の少年兵に回され、残りの若者は屋敷に閉じ込められます。若者たちに名前と個性がほとんど与えられないことも意図的で、権力の側からは、若者は1人ひとりの人間ではなく、管理する対象としてしか見えていないことが伝わります。

もう1つの重要な存在が、年配の語り部の女性たちです。かつて娼婦だった女性たちが、毎日ホールで物語を語ります。彼女たちの物語は娯楽ではなく、その後に行われる支配の「型」を示す役割を果たします。ピアノの伴奏者がそばに付き、場面全体に儀式のような空気を与えます。

始まり：署名と、拉致と、屋敷の規則

物語は、4人が1つの取り決めに署名する場面から始まります。その内容は、互いの娘を妻に迎え合うことで、4人の結束を固めるというものです。身内同士で関係を閉じるこの取り決めが、外部の倫理から切り離された世界の始まりになります。

続いて、兵士や警察の力を使って、各地から少年少女が集められます。若者たちは品定めのように選別され、屋敷へ運ばれます。この導入で繰り返されるのは、銃と書類と手順です。暴力は最初から、乱れた衝動ではなく、組織の仕事として実行されます。

屋敷では規則が読み上げられます。決められた時間に集まること、語り部の物語を聞くこと、許されていない関係を持たないこと。規則を破った者の名前は記録され、後の罰の対象になります。記録されるという仕組み自体が、若者たちを常に見張られている状態に置くのです。

規則の読み上げで印象的なのは、若者たちに質問の機会がないことです。規則は話し合いで決まるのではなく、一方的に宣言されます。納得させる努力すらしない態度が、権力と若者の力の差を最初の場面で決定的にします。屋敷の外の世界との連絡も断たれ、若者たちにとっての世界は、屋敷の規則だけになります。閉じた世界で規則だけが法になる構造は、サロ共和国という、閉じた政権の縮図でもあります。

語り部の物語：支配を型にはめる仕組み

毎日の中心にあるのは、語り部の物語です。女性たちはホールに集められた若者たちの前で、過去の体験として物語を語ります。そしてその物語の内容が、その後の権力者たちの行為の手本になります。物語が先にあり、支配がそれをなぞるという順番が、この屋敷の儀式の核です。

この仕組みが示すのは、暴力が偶然や衝動では起きていないことです。言葉で型が示され、手順が決まり、役割が割り振られます。若者たちは、次に何が起きるかを物語で先に知らされるため、逃げ場のない予告の中で日々を過ごすことになります。

語り部たち自身も、かつて同じように扱われた側の人間だったことがうかがえます。支配の型は、世代を超えて受け渡されてきました。その連鎖の姿も、この映画が描く権力の怖さの1つです。

もう1つ見逃せないのは、物語の聞き手に若者全員が集められることです。誰か1人だけが聞くのではなく、全員が同じ物語を、同じ部屋で聞かされます。恐怖は個人の体験ではなく、集団で共有される空気になります。反抗の芽は、物語を聞く段階から、集団の圧力で摘まれていくのです。ピアノの伴奏がその空気を整え、残酷な内容ほど、整った形式で届けられます。形式の美しさと内容の残酷さの落差も、この映画が意図した不快さの1つです。

段階：奇行の巻から糞の巻へ、強まる支配

物語は、ダンテの『神曲』の地獄にならい、4つの部分で進みます。前段の「地獄の門」に続き、「奇行の巻」「糞の巻」「血の巻」へと進むにつれて、支配と屈辱の度合いは段階的に強まっていきます。最初は言葉と儀式だったものが、やがて身体への罰へ、そして命を奪う段階へ移っていきます。

ここで大切なのは、段階が進むほど、権力者たちの態度がますます事務的になることです。驚きもためらいもなく、次の手順へ進む。若者たちにとっての地獄の深さと、権力者たちにとっての日常の退屈が、同じ場面の中で重なります。

段階の進み方でもう1つ見逃せないのは、若者同士の関係の変化です。初めは支え合おうとしていた若者たちが、罰を逃れるために、互いの違反を告げる側へ回り始めます。支配は、権力者が直接手を下さなくても、若者同士の告発によって回るようになるのです。

告発の連鎖：エツィオの最期と、突き上げた拳

物語の転機は、少年兵の1人エツィオの発覚です。エツィオは屋敷で働く黒人のメイドと、規則で禁じられた密会を重ねていました。その事実は、若者同士の告発の連鎖の末に、権力者たちへ届きます。生き延びるために他人を告げることが、次の告発を呼ぶという、支配の仕組みの完成形がここに表れます。

連行されるエツィオは、最後に左拳を高く突き上げます。これは社会主義の抵抗を示す身振りです。屋敷の中で唯一、支配への拒絶をはっきりと示した瞬間であり、権力者たちはその姿に一瞬だけ動揺を見せます。

しかし、その直後にエツィオは射殺されます。抵抗は物語をひっくり返す力にはならず、儀式は再び日常へ戻ります。この場面の冷たさは、抵抗の無意味さを描くためではなく、支配の仕組みが、1人の勇気だけでは止まらないほど完成していることを示すためにあります。

結末：血の巻と、双眼鏡で眺める権力者

最後の段階「血の巻」では、規則違反を記録されてきた若者たちに、青いリボンが付けられます。それは、庭での処刑の対象になった印です。名前を記録するだけだった仕組みが、最後に命の選別として働くのです。

処刑は庭で行われますが、権力者たちはその場に立ち会いません。屋敷の窓辺に座り、双眼鏡を代わる代わる手に取り、遠くから眺めます。直接手を汚さず、距離を置いて眺めるという形が、この映画の権力の本質を最もよく表しています。苦しみは、眺める者にとっては遠くの景色でしかないのです。

ピアノの伴奏者は、この光景に耐えられず、自ら命を絶ちます。儀式を支えてきた音楽さえも、最後は崩れます。それでも権力者たちの儀式は止まらず、双眼鏡は次の景色へ向けられ続けます。

ここで双眼鏡という道具の意味を押さえておきます。双眼鏡は、遠くのものを近くに引き寄せる道具です。しかし権力者たちは、近づいた景色に心を動かされることがありません。よく見えているのに、何も感じない。その落差こそが、パゾリーニが最後に置いた批判です。見ないことではなく、見ても平気でいることが、暴力の完成形として描かれています。

庭の出来事が終わっても、屋敷の日常は止まりません。食事があり、音楽があり、会話があります。若者たちの不在は、権力者たちの会話の主題にすらなりません。結末の静けさは、事件の終わりではなく、支配が次の日も続いていくことの証明として置かれています。

ラスト：踊る2人と、残る無関心

映画の最後に残るのは、生き延びた少年兵の若者2人です。2人は部屋の中で、ラジオから流れる音楽に合わせ、静かにワルツを踊ります。そして「彼女の名前は？」という、あまりにも日常的な会話を交わして、映画は終わります。庭で起きたことなど、なかったかのような日常が、最後の場面を支配します。

このラストは、救いがないから衝撃なのではありません。恐ろしい出来事のすぐ隣で、日常が何事もなく続いてしまうこと。その無関心こそが、権力の暴力を支えてきた土台だったと、映画は静かに示します。

観客もまた、画面を通して出来事を眺めてきた側です。双眼鏡で眺める権力者と、画面を眺める観客の距離は、決して遠くありません。眺めるだけで何もしない姿勢への問いが、このラストには込められています。

なぜ舞台をサロ共和国に移したのか

原作の舞台は18世紀の城館でした。パゾリーニはそれを、第二次世界大戦末期のサロ共和国へ移しました。サロ共和国は、連合国へ降伏したイタリアで、ナチス・ドイツの傀儡として北部に作られた政権です。敗北が近いと分かりながら、閉じた世界でだけ権力を振るう政権の姿が、屋敷の物語と重なります。

パゾリーニの狙いは、ファシズムへの批判だけではありません。監督自身の言葉として伝わるのは、消費社会への批判です。人が人を、使い捨てる物として扱う。欲望が手順化され、他人の苦しみが景色になる。その構造は、戦争末期の屋敷だけの話ではないという読み方ができます。

だからこそ、この映画の権力者たちは怪物として描かれません。書類に署名し、規則を読み、双眼鏡を手に取る。その平凡な手順の積み重ねが人を壊していく姿に、時代を超えた怖さがあります。

監督の死と、遺作としての公開

パゾリーニは、映画の公開を目前にした1975年11月2日、ローマ近郊のオスティアで殺害されました。本作は、そのまま監督の遺作になりました。事件そのものには今も多くの議論がありますが、記事では確定した事実だけを扱います。

パゾリーニはその前に、『デカメロン』『カンタベリー物語』『アラビアンナイト』という、生命力に満ちた「生の三部作」を撮っていました。その後に構想された「死の三部作」は、本作のみで未完に終わります。明るい物語の語り手だった監督が、最後に物語で人を支配する屋敷を描いたことも、本作が重く受け止められる理由の1つです。

公開後は、多くの国で上映禁止や制限を受けました。一方で、映画史の研究や批評の中では、ファシズムと消費社会を重ねて描いた作品として、今も論じられ続けています。過激さだけを取り出して語るのでは、この映画の半分しか見ていないことになります。

数字で見る物語：120日、18人、4つの巻

この映画の構造は、数字で見るとよく分かります。タイトルの「120日」は、屋敷での支配が続く期間の長さを示します。短い事件ではなく、季節が変わるほどの時間をかけて、支配が日常として固定されていくことが、この数字の意味です。

若者の人数は18人です。多すぎず少なすぎないこの人数は、全員を個別の主人公として描くためではなく、集団として管理される姿を描くための人数です。対する権力者は4人、語り部も複数置かれ、屋敷の中には「命じる側」「型を示す側」「管理される側」という3つの層ができます。

そして物語を分ける4つの巻は、地獄を下っていく順番です。前段で規則が作られ、奇行の巻で言葉による支配が始まり、糞の巻で屈辱が強まり、血の巻で命の選別に届きます。巻が進むごとに、若者たちから奪われるものが、自由、尊厳、連帯、そして命へと変わっていくのです。

公開後の評価：禁止の歴史から、批評の対象へ

公開当時の本作への反応は、賛否ではなく拒絶が中心でした。多くの国で上映禁止や制限を受け、日本でも公開前から騒ぎになり、上映できる館は限られました。作品の中身よりも「上映できるかどうか」が先に話題になるという、異例の受け止められ方をした映画です。

それでも本作が映画史から消えなかったのは、批評家や研究者が、過激な場面の裏にある主題を読み解き続けたからです。ファシズムの末期に置かれた舞台、制度の顔をした権力者、手順化された支配。そうした要素は、時代が下るほど、戦争映画としてだけでなく、組織と権力の映画として読めるようになりました。

現在の評価でよく引かれるのは、消費社会への批判という読み方です。人を物として扱い、苦しみを景色として眺める。その姿勢は、画面越しに他人の出来事を眺める現代の日常とも重なります。だからこそ本作は、古い問題作ではなく、見る側の姿勢を問う映画として残り続けています。

よくある質問（FAQ）

最後に、検索でよく問われる点をまとめます。結末の核心は、処刑そのものではなく、それを眺める者と踊る者の姿にあることです。

こんな人におすすめ：意味を読み解く覚悟があるなら

この映画は、気軽な気持ちで見る作品ではありません。それでも、権力が人を物として扱う仕組みを、物語の構造から読み解きたい人には、映画史の中で避けて通れない1本です。

逆に、過激な場面そのものを目的に見る見方は、この映画の意図とは合いません。あらすじと結末を知ったうえで、見るかどうかを決めるのがよい作品です。本記事で構造を押さえてから本編に臨むと、場面の意味は追いやすくなります。

まとめ：眺める側に立つことへの問い

『ソドムの市』の結末は、庭での処刑そのものよりも、それを双眼鏡で眺める権力者と、何事もなかったように踊る2人の姿で締めくくられます。暴力の本当の土台は、眺めて平気でいる無関心だったというのが、この映画の結論です。

4人の権力者は制度の顔であり、語り部の物語は支配の型であり、告発の連鎖は仕組みの完成形でした。エツィオの拳だけが、その中で人間らしい拒絶として残ります。

公開から半世紀がたっても本作が論じられ続けるのは、舞台を移し替えた批判が、いまの消費社会にも重なって読めるからです。過激な評判の裏にある構造まで含めて知ることで、この問題作の本当の姿が見えてきます。

読み解きの入口として覚えておきたいのは、道具の流れです。署名で世界を閉じ、規則で日常を作り、記録で見張り、物語で型を示し、告発で若者同士を分け、双眼鏡で最後を眺める。この6つの道具を追うだけで、場面ごとの意味は大きく変わって見えます。感想を「過激だった」で終わらせず、「なぜ誰も止められなかったのか」を考えることが、この映画への向き合い方です。

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コマさん（koma）

野生のライトノベル作家

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社畜として飼われながらも週休三日制を実現した上流社畜。中学生の頃に《BAKUMAN。》に出会って「物語」に触れていないと死ぬ呪いにかかった。思春期にモバゲーにどっぷりハマり、暗黒の携帯小説時代を生きる。主に小説家になろうやカクヨムに生息。好きな作品は《BAKUMAN。》《ヒカルの碁》《STEINS;GATE》《無職転生》